Een korte geschiedenis van de oorsprong van de Sovjet-cinema

2024 Auteur: Seth Attwood | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 16:13

We vervolgen onze gids over de geschiedenis van de Russische cinema. Deze keer analyseren we de tweede helft van het Sovjettijdperk: van de dooi en de 'new wave' tot coöperatieve cinema en necrorealisme.

De vorige keer dat we de oorsprong van de binnenlandse cinema onderzochten, hoe de revolutie, oorlog en politiek het beïnvloedden, herinnerden we ons de belangrijkste esthetische ontdekkingen en technische innovaties van die tijd. In dit artikel gaan we terug naar de periode van de Chroesjtsjov-dooi en de moeilijke jaren negentig.

1950-1960

De dood van Joseph Stalin in maart 1953 werd een keerpunt in de geschiedenis en het leven van de hele USSR en werd natuurlijk weerspiegeld in de bioscoop. Als onderdeel van de politieke koerswijziging werd het cultuurmanagementsysteem vrijwel direct gereorganiseerd. Onder andere het ministerie van Cinematografie werd geliquideerd en de bioscoop werd overgedragen aan afdelingen onder het ministerie van Cultuur. Een belangrijk gevolg hiervan was de relatieve verzwakking van de staatscontrole.

De volgende gebeurtenis die de koers naar liberalisering verstevigde, de censuur verzachtte en de reikwijdte van creatieve vrijheid uitbreidde, was het 20e congres van de CPSU in februari 1956, waar de persoonlijkheidscultus van Stalin werd bekritiseerd. Tijdens deze periode werden ontmoetingen van ambtenaren met filmmakers een bijzondere manier van interactie tussen de staat en de bioscoop.

De grootste en belangrijkste bijeenkomsten waren in 1962 in het Ontvangsthuis op de Lenin-heuvels in Moskou en in 1963 in de Sverdlovsk-zaal van het Kremlin. Tijdens het laatste evenement slaagden creatieve figuren erin om de noodzaak te verdedigen om een Unie van Cinematographers op te richten (deze werd twee jaar later opgericht). Tegelijkertijd werd besloten om de cinematografie over te hevelen naar de jurisdictie van de Staatsbioscoop, wat in feite de terugkeer van een meer zorgvuldige controle van de cinematografie betekende. Het State Film Agency zal toezicht houden op de ontwikkeling van de cinema in het land tot het einde van het bestaan van de USSR.

De binnenlandse bioscoop van het midden van de jaren vijftig - eind jaren zestig is de bioscoop van de dooi. De Sovjet-cinematografie vernieuwt zich tijdens deze jaren actief en ontdekt nieuwe thema's en technische mogelijkheden. In veel opzichten is dit proces gebaseerd op polemiek met de artistieke attitudes van Stalins cinema.

De auteurs wijken af van "conflictvrij", "landrine" en "vernissen van de werkelijkheid" naar meer realistische of meer poëtische cinematografie. Tegelijkertijd worden Sovjetregisseurs sterk beïnvloed door zowel buitenlandse cinema - het Italiaanse neorealisme, de Poolse school, de Franse "new wave" - als de binnenlandse - de revolutionaire avant-garde van de jaren twintig

Cinematografie wordt humanistischer. Het hoofdpersonage van het tijdperk is een 'gewone man' die bovendien veel jonger wordt in vergelijking met de helden van het vorige tijdperk. De auteurs wenden zich tot zijn persoonlijkheid, maken hem psychologisch helderder, interessanter en diverser. Vervolgens verandert het schermmodel van de samenleving. Als vroeger de centrale relatie "de leider - het volk" was, is dat nu het gezin.

Het leidende genre is een modern drama dat het dagelijkse leven van gewone mensen verbeeldt. Het genre stelt je in staat actuele conflicten bloot te leggen en tot universele menselijke waarden te komen, de realiteit van het leven te laten zien en poëtisch te maken. Typische banden: "Spring on Zarechnaya Street", "Hoogte", "Toen de bomen groot waren", "Negen dagen in een jaar", "Zo'n man leeft."

De invloed van de documentaire benadering is merkbaar in films als "Other Children", "Short Meetings", "Wings", "The Story of Asya Klyachina, Who Loved, But Did Not Marry." In sommige schilderijen creëren de auteurs een soort portret van het tijdperk en een portret van een generatie. Bijvoorbeeld in "Ik loop door Moskou", "Liefde", "Tenderness", "Drie dagen Viktor Chernyshov." De werken van Marlen Khutsiev: "Ik ben 20 jaar oud" ("Ilyich's Outpost") en "Juli regen" worden de symbolen van de dooi (respectievelijk zijn hoogtijdagen en zonsondergang).

De bijgewerkte Sovjet-komedie is voornamelijk gebaseerd op het moderne thema van het dagelijks leven. Leonid Gaidai werkt in de excentrieke richting van het genre: "Operation" Y "en andere avonturen van Shurik", Prisoner of the Caucasus of Shurik's New Adventures", "The Diamond Hand". Eldar Ryazanov maakt levensbevestigende komedies: "Carnival Night", "Pas op voor de auto", "Zigzag of Fortune". Komedie van Georgy Danelia - verdrietig: "Seryozha", "Driedertig". Het is vermeldenswaard de satirische komedie van Elem Klimov ("Welcome, or No Unauthorized Entry", "The Adventures of the Dentist") en de muzikale komedie van Rolan Bykov ("Aibolit-66"), evenals "Maxim Perepelitsa", "Onbuigzaam", "Meisjes" …

Een ander belangrijk genre uit die tijd is oorlogsdrama. Van de heldendichten, conventies en schema's van Stalins oorlogsfilms, gaan de auteurs verder naar het drama van individuele lotsbestemmingen. Een nieuw, tragisch beeld van oorlog en een anti-oorlogsboodschap worden gecreëerd in films als "The Cranes Are Flying", "The House I Live in", "The Fate of a Man", "Ballad of a Soldier", "Peace to the Incoming", "Ivan's Childhood", "Living and Dead", "Vader van een soldaat".

De oorlog en het fenomeen nazisme komen aan bod in de grootschalige documentaire film "Ordinary Fascism". In de hoofdstroom van de humanisering vindt een heroverweging plaats van de historische en revolutionaire thema's die belangrijk zijn voor de Sovjet-cinema: "Pavel Korchagin", "Forty-first", "Communist", "First Teacher", "Er is geen doorwaadbare plaats in het vuur ", "Twee kameraden dienden."

Klassieke literatuur wordt opnieuw een krachtige inspiratiebron voor filmmakers. Een aantal epische werken van Russische en buitenlandse auteurs worden op het scherm overgebracht: The Idiot, The Brothers Karamazov, War and Peace; Othello, Don Quichot, Hamlet.

Er vindt een generatiewisseling plaats - een generatie jonge filmmakers, frontsoldaten en "oorlogskinderen" komt: Grigory Chukhrai, Sergey Bondarchuk, Alexander Alov en Vladimir Naumov, Andrey Tarkovsky, Vasily Shukshin, Marlen Khutsiev, Gleb Panfilov, Andrey Konchalovsky, Larisa Shepitko, Elem Klimov, Alexander Mitta, Andrey Smirnov, Gennady Shpalikov, Sergey Parajanov, Tengiz Abuladze en vele anderen.

Veteranen van de Sovjet-cinema maken echter ook hun beste en belangrijkste films voor die tijd: Mikhail Romm, Mikhail Kalatozov, Yuliy Raizman, Iosif Kheifits, Alexander Zakhri, Grigory Kozintsev, Sergei Gerasimvo, Ivan Pyriev en anderen

De gezichten van de Sovjet-cinema veranderen ook. Er komt een nieuwe generatie acteurs aan: Nikolai Rybnikov, Nadezhda Rumyantseva, Alexei Batalov, Innokenty Smoktunovsky, Andrey Mironov, Evgeny Evstigneev, Tatyana Samoilova, Vasily Lanovoy, Vyacheslav Tikhonov, Lyudmila Gurchenko, Tatyana Mordyukova, Evgenyukova, Evgenyukova Doronina, Oleg Tabakov, Evgeny Leonov, Stanislav Lyubshin, Vasily Shukshin, Yuri Nikulin, Mikhail Kononov, Anatoly Solonitsyn, Inna Churikova, Nikita Mikhalkov en vele anderen.

Was de laat-stalinistische cinema extreem academisch, de manifestatie van de stijl van een individuele auteur buiten beschouwing gelaten, nu worden de auteurs vrijer in hun expressiemiddelen. De filmtaal van schilderijen wordt verrijkt door de wildgroei aan technieken zoals hand- en subjectieve camera's, verkorting, interne monoloog, dubbele belichting, gescheurde montage, enzovoort.

Operator Sergei Urusevsky bereikt bijzondere hoogten op het gebied van visuele expressiviteit ("The Cranes Are Flying", "Unsent Letter", "I am Cuba"). Het is ook vermeldenswaard dat de vroege dooi-cinema overwegend in kleur was, maar sinds de tweede helft van de jaren vijftig is de kleur snel aan het verdwijnen en wordt de bioscoop van de jaren zestig weer voornamelijk zwart-wit. Dit was te wijten aan economische overwegingen, de onbelangrijke kwaliteit van de binnenlandse kleurenfilm, evenals de gravitatie naar documentaire, die werd geassocieerd met z/w.

Er zijn een aantal foto's gemaakt, opmerkelijk qua special effects. Een interessante figuur in dit opzicht is Pavel Klushantsev, die populair-wetenschappelijke cinema combineerde met sciencefiction uit de ruimte: The Road to the Stars, Planet of Storms. Wat betreft speciale effecten is het ook de moeite waard om films als "Amphibian Man" en "Viy" op te merken.

Een eigenaardige richting van de Sovjet-cinema is picturaal en poëtisch, geneigd om de werkelijkheid te symboliseren. Het is merkwaardig dat dergelijke foto's vaak afhankelijk zijn van legendes en rituele en rituele uitvoeringen: "Shadows of Forgotten Ancestors", "The Color of Pomegranate", "Evening on the Eve of Ivan Kupala", "Stone Cross", "Prayer".

Het volume van de filmproductie neemt vele malen toe. Dus als er in 1951 (het jaar van de 'kleine beeld'-periode) negen films werden opgenomen, dan lag het gemiddelde aantal binnenlandse films dat per jaar werd geproduceerd in de jaren zestig tussen 120 en 150. De bioscoop breidt uit.

Ondanks de liberalisering worden filmmakers nog steeds geconfronteerd met censuurbeperkingen en sinds 1965 is de "plank" met verboden films weer aangevuld. De voltooide schilderijen "Tight Knot", "The Groom from the Other World", "Ilyich's Outpost" hebben aanzienlijke censuurbewerkingen ondergaan. Een van de eerste verboden schilderijen - "Een lente voor de dorst", "Bad Joke", "Long Farewell", "Commissar", "Pervorossians", "The Beginning of an Unknown Age", "Andrei Rublev".

De vernieuwde Sovjet-cinematografie krijgt wereldwijde erkenning. The Cranes Are Flying in 1958 werd bekroond met de Palme d'Or op het filmfestival van Cannes (de enige overwinning voor de Russische cinema in Cannes), en Ivan's Childhood in 1962 werd bekroond met de Gouden Leeuw op het Filmfestival van Venetië.

Jaren 70-eerste helft jaren 80

De periode van de late jaren 1960 tot het midden van de jaren 1980 is nogal dubbelzinnig voor de Sovjet-cinema. Aan de ene kant was het in deze tijd dat een aanzienlijk deel van de films die als het 'gouden fonds' van de Russische cinema worden beschouwd, werd gefilmd. Aan de andere kant namen in deze periode de crisisverschijnselen geleidelijk toe. Het bioscoopbezoek daalde, de druk van het censuursysteem was vaak buitensporig en de artistieke kwaliteit verslechterde geleidelijk, waardoor vooraanstaande filmmakers het probleem zelfs in het begin van de jaren tachtig onderkenden - de dominantie van zogenaamde "grijze films". Waarschijnlijk de meest succesvolle karakterisering van de periode is 'de hoogtijdagen van stagnatie'.

Het genresysteem blijft ongeveer hetzelfde als in de jaren zestig. Maar de individuele handtekeningen en stijlen van regisseurs worden steeds duidelijker. De belangrijkste en originele auteur in dit verband is Andrei Tarkovsky, die in deze periode Solaris, Mirror, Stalker en Nostalgia neerschoot. Zijn schilderijen vallen op door hun speciale benadering van het werken met tijd, de complexiteit van de structuur, metaforische beelden en filosofische diepte.

Alexey German verkent de complexe momenten van de geschiedenis, waarbij hij zijn toevlucht neemt tot een nauwgezette reconstructie en maximale onderdompeling in de gebeurtenissen die worden gefilmd: "Controleren op de wegen", "Twenty days without war", "My friend Ivan Lapshin". Door de verhoogde aandacht voor de realiteit van het leven en de originaliteit van de filmtaal, wordt Herman een van de meest verboden Sovjetregisseurs.

Elem Klimov maakt een aantal uiteenlopende schilderijen, verenigd door een expressieve picturale reeks, zwarte humor, het thema van morele zoektocht, een historisch keerpunt en de naderende apocalyps: "Agony", "Farewell", "Come and See".

Op het gebied van retro (met een vleugje grotesk en postmodernisme) werkt Nikita Mikhalkov, waarbij hij zich liever baseert op geschiedenis of een solide literaire basis: "One of our own onder vreemden, een vreemdeling onder onze eigen", "Slave of Love", "Onvoltooid stuk voor mechanische piano", "Five Evenings", "Een paar dagen uit het leven van I. I. Oblomov."

Vasily Shukshin ("Stove Benches", "Kalina Krasnaya"), Andrey Smirnov ("Belorussky Station", "Autumn"), Andrey Konchalovsky ("Romance of Lovers", "Siberiade"), Gleb Panfilov ("Begin", "I vragen om woorden", "Onderwerp"), Vadim Abdrashitov ("Op jacht naar vossen", "De trein stopte"), Roman Balayan ("Vluchten in dromen en in werkelijkheid"), Sergei Mikaelyan ("Prijs", "Vrijwillig verliefd "), Vladimir Menshov ("Moskou gelooft niet in tranen"), Sergei Soloviev ("Honderd dagen na de kindertijd"), Rolan Bykov ("Vogelverschrikker"), Dinara Asanova ("De specht heeft geen hoofdpijn").

"Holiday Comedy" wordt eindelijk vervangen door satire en tragikomedische parabel. Comedians Leonid Gaidai (12 stoelen, Ivan Vasilyevich verandert van beroep, Sportloto-82), Eldar Ryazanov (Old Robbers, The Irony of Fate, of Enjoy Your Bath!), Office Romance "," Garage "), Georgy Danelia (" Afonya ", " Herfstmarathon "," Tranen vielen ")

Onder de nieuwe komieken: Vladimir Menshov (Love and Doves), Mark Zakharov (An Ordinary Miracle, The Same Munchausen), Viktor Titov (Hallo, ik ben je tante!). De namen van de laatste worden geassocieerd met de opkomst van het televisiefilmformaat.

Het militaire thema blijkt uitermate vruchtbaar voor schilderijen met een tragisch karakter. Alexey German verwijdert "Controleer op de wegen" en "Twintig dagen zonder oorlog", Leonid Bykov - "Alleen" oude mannen "en" Aty-baty, soldaten liepen … ", Sergei Bondarchuk -" Ze vochten voor het moederland ", Larisa Shepitko - "Beklimming".

"Come and See" van Elem Klimova maakt een soort einde aan de onthulling van het tragische potentieel van het onderwerp. Tegelijkertijd ondersteunt de staat actief schematische oorlogsheldendichten, zoals Yuri Ozerov's grootschalige meerdelige "Liberation".

De literaire klassiekers blijven de basis van het experiment. Ongewone verfilmingen van grote schrijvers worden gemaakt door Andrei Konchalovsky ("Noble Nest", "Uncle Vanya"), Sergei Soloviev ("Yegor Bulychev and Others", "The Stationmaster"), Lev Kulidzhanov ("Crime and Punishment").

Sommige regisseurs zijn gespecialiseerd in genre-cinematografie: Alexander Mitta, Boris Yashin, Tatiana Lioznova, Sergei Mikaelyan. De belangrijkste Sovjet-kaskrakers worden gemaakt - spectaculaire films met een speciale ensceneringscomplexiteit, die erg populair zijn bij kijkers. Onder hen zijn "Pirates of the XX eeuw" en "Crew".

Er worden pogingen ondernomen om alternatieve modellen van filmmaken te creëren. Zo werd er in Mosfilm een Experimental Creative Association georganiseerd onder leiding van Grigory Chukhrai. Het was gebaseerd op het principe van zelfvoorziening. Het resultaat van het decennium (1965-1976) van het werk van de vereniging waren de hitschilderijen "White Sun of the Desert", "Slave of Love", "Tabor Goes to Heaven", "Ivan Vasilyevich Changes Profession", "12 Stoelen", "Sannikov Land" en anderen.

Onder de nieuwe sterren van het Sovjetscherm in deze jaren kan men Oleg Yankovsky, Alexander Abdulov, Oleg Dal, Irina Muravyova, Leonid Kuravlev, Donatas Banionis, Anatoly Kuznetsov, Margarita Terekhova, Irina Kupchenko, Marina Neyelova, Yuri Bogatyrev, Oleg Basiuilashvili noemen, Natalia Kaidanovsky, Leonid Filatov en anderen

De periode werd gekenmerkt door een aantal grote overwinningen van de Sovjet-cinema op wereldniveau. In 1977 ontvangt Larisa Shepitko op het filmfestival van Berlijn de Gouden Beer met Ascent. Van 1969 tot 1985 behoorde de Sovjet-cinema negen keer tot de Oscar-genomineerden en won ze drie keer: Oorlog en vrede, Derza Uzala en Moskou gelooft niet in tranen.

Met betrekking tot het lot van cinema en een aantal filmmakers voert de staat een politiek van kleingeestigheid en willekeur. Conflicten nemen soms zeer extreme vormen aan. Sergei Parajanov gaat bijvoorbeeld naar de gevangenis en Kira Muratova wordt verbannen uit haar beroep. Mikhail Kalik, Boris Frumin, Slava Tsukerman, Mikhail Bogin, Andrei Konchalovsky, Andrei Tarkovsky worden gedwongen te emigreren.

Aan het begin van de periode werd de "plank" behoorlijk actief aangevuld (de piek was in 1968, toen tien films tegelijk werden verboden). Onder de verboden schilderijen zijn "Interventie", "Waanzin", "De kleur van een granaatappel", "Controleren op de wegen", "Ivanov-boot", "Errors of Youth", "The Lonely Voice of a Man", "Thema", "Forest", "Mijn vriend Ivan Lapshin "," Treurige ongevoeligheid "," Berouw ".

Geleidelijk aan werd het aantal verboden films kleiner, omdat precensuur op scriptniveau steeds effectiever werkte.

Tweede helft van de jaren 80

Opnieuw werd een nieuwe pagina in de geschiedenis van de Russische cinema gelanceerd door politieke processen. Een jaar nadat Michail Gorbatsjov in mei 1986 de perestrojka aankondigde, vond het 5e congres van de Unie van Cinematographers plaats, waar de bureaucratische centralisatie van de filmproductie, de ideologische controle over creativiteit en andere kenmerkende Sovjet-excessen scherp werden bekritiseerd. Daarna werd het proces van denationalisering van de cinema gelanceerd, waaronder in 1989 particuliere filmproductie en filmdistributie werden toegestaan.

Een korte periode van "multi-beeld" begint (1990 wordt het topjaar in termen van het aantal opgenomen films - 300), die tegelijkertijd rijk en crisis was. Parallel met het afbreken van censuurbeperkingen en creatieve vrijheid, breekt cinema los van de kijker, richt zich onnodig op interne taken, politiseert scherp en concentreert zich op het weerspiegelen van de depressieve kanten van verleden en heden. Daarnaast is er een instroom van laaggeschoold personeel (bijvoorbeeld in de coöperatieve bioscoop), wat leidt tot een afname van de artistieke en technische kwaliteit.

Foto's van moderne thema's schilderen het beeld van een "troebele" tijd, onthullen het thema van verlies, persoonlijke drama's en zijn duidelijk gemaakt met een pessimistische houding. In extreme vormen wordt dit soort cinematografie "chernukha" genoemd. De hoofdpersonen zijn “vernederd en beledigd”: buitenstaanders, daklozen, drugsverslaafden, prostituees enzovoort. Iconische banden van dit soort: "Little Faith", "Tragedy in Rock Style", "Doll", "Glass Labyrinth", "Needle", "Asthenic Syndrome", "Satan".

Een speciale plaats wordt ingenomen door het thema van de Afghaanse oorlog: "Leg", "Afghan break". Tegelijkertijd is er een "explosie" van acute sociale documentaire, die de crisistendensen van de sociale staat uitdrukt: "High Court", "Is het gemakkelijk om jong te zijn?"

In tragikomedische stijl wordt het moderne thema opgelost in de films Courier, Forgotten Melody for Flute, Promised Heaven, Intergirl, Taxi Blues. Over het algemeen neemt in het komediegenre het aandeel van excentriciteit duidelijk toe, wat wordt gevoeld in de werken van Georgy Danelia ("Kin-dza-dza"), Leonid Gaidai ("Private detective of Operation" Cooperation ""), Yuri Mamin ("Fontein", "Bakkebaarden"), Leonid Filatov ("Kinderen van teven"), Alla Surikova ("De man van de Boulevard des Capuchins").

Coöperatieve cinema is vooral gespecialiseerd in komedie. Deze films worden gekenmerkt door low budget, laagwaardige humor en seksuele motieven. Regisseur Anatoly Eyramdzhan ("Womanizer", "My Sailor") wordt de leider van de regio.

Het historische thema neemt een centrale plaats in - de auteurs streven ernaar problemen aan te pakken die voorheen onmogelijk waren om over te praten. De onderwerpen repressie, persoonlijkheidscultus, staatsmisdaad en terreur, sociale en huiselijke wanorde komen aan bod. Deze schilderijen omvatten "Heart of a Dog", "Tomorrow Was the War", "Feasts of Belshazzar, or Night with Stalin", "Cold Summer of the Fifty-third …", "A Golden Cloud Slept …", "The Regicide", "Inner Circle", "Lost in Siberia", "Freeze-Die-Resurrect".

Voor een aantal regisseurs biedt het nieuwe tijdperk kansen voor een gewaagd experiment met filmische vorm. Sergei Solovyov maakt een "mrasmatische trilogie": "Assa", "Black Rose - het embleem van verdriet, rode roos - het embleem van liefde", "Huis onder de sterrenhemel." Sergei Ovcharov maakt absurde satirische verhalen: "Lefty", "It". Konstantin Lopushansky ("Brieven van een dode man"), Alexander Kaidanovsky ("De vrouw van de kerosineman") neigen naar de gelijkenisvorm. Oleg Teptsov ("Mister Designer") verwijst naar de erfenis van de pre-revolutionaire cinema.

Het werk van Alexander Sokurov ("Days of the Eclipse", "Save and Preserve", "Second Circle"), dat niet is gebouwd door de algemeen aanvaarde filmtradities te deconstrueren, staat apart

Vertegenwoordigers van parallelcinema en neorealisme, regisseurs die sinds de jaren zeventig illegaal, op een guerrilla-, semi-amateurmanier, korte films van radicale inhoud (meestal over geweld, dood en perversie) filmen, komen uit de underground. Vanuit de underground bereikten de auteurs met de steun van Alexei German en Alexander Sokurov de belangrijkste filmstudio's van het land: op Mosfilm filmden ze "Someone Was Here" van de gebroeders Aleinikov, en op Lenfilm - "Knights of the Heavens" door Yevgeny Yufit en "Kameraad Chkalov's Crossing the Northern pole" door Maxim Pezhemsky.

Sergei Selyanov kwam ook uit de underground cinema. Sinds het begin van de jaren tachtig schoot hij in zijn eentje de film "Angel Day", die aan het einde van het decennium de steun kreeg van "Lenfilm". In feite kan het worden beschouwd als de eerste onafhankelijke Sovjetfilm.

En tot slot merken we de opkomst op van het filmfestival, dat de belangrijkste show van de nationale cinema werd en vervolgens een belangrijke rol speelde in de ontwikkeling van de Russische cinema. In 1990 werd Kinotavr georganiseerd door Mark Rudinstein en Oleg Yankovsky.