De mythe van de renaissancekunstenaars

2024 Auteur: Seth Attwood | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 16:13

Volgens de officiële versie vond er aan het begin van de 14e-15e eeuw een scherpe verandering plaats in de schilderkunst - de Renaissance. Rond 1420 werd iedereen ineens veel beter in tekenen. Waarom werden de beelden ineens zo realistisch en gedetailleerd, en was er in de schilderijen licht en volume?

Niemand heeft hier lang over nagedacht. Tot David Hockney een vergrootglas pakte.

Ooit keek hij naar tekeningen van Jean Auguste Dominique Ingres, de leider van de 19e-eeuwse Franse academische school. Hockney raakte geïnteresseerd in het zien van zijn kleine tekeningen op grotere schaal, en hij vergrootte ze op een fotokopieerapparaat. Zo stuitte hij op een geheime kant in de geschiedenis van de schilderkunst sinds de Renaissance.

Nadat hij fotokopieën had gemaakt van Ingres' kleine (ongeveer 30 centimeter) tekeningen, was Hockney verbaasd over hoe realistisch ze waren. En hij dacht ook dat de regels van Ingres hem ergens aan deden denken. Het bleek dat ze hem aan het werk van Warhol deden denken. En Warhol deed dit - hij projecteerde een foto op een canvas en schetste het.

Interessante gevallen, zegt Hockney. Blijkbaar gebruikte Ingres de Camera Lucida - een apparaat dat een structuur is met een prisma dat bijvoorbeeld op een standaard aan een tablet is bevestigd. Zo ziet de kunstenaar, die met het ene oog naar zijn tekening kijkt, het echte beeld en met het andere - de tekening zelf en zijn hand. Het blijkt een optische illusie waarmee je levensechte verhoudingen nauwkeurig op papier kunt overbrengen. En dit is precies de "garantie" van het realisme van het beeld.

Toen raakte Hockney serieus geïnteresseerd in dit "optische" soort tekeningen en schilderijen. In zijn atelier hebben hij en zijn team honderden reproducties van schilderijen die door de eeuwen heen zijn gemaakt, aan de muren gehangen. Werken die er "echt" uitzagen en werken die dat niet deden. Hockney en zijn team zagen een scherpe verandering in de schilderkunst aan het begin van de 14e-15e eeuw. Over het algemeen kent iedereen die op zijn minst een beetje weet van de kunstgeschiedenis - de Renaissance.

Misschien gebruikten ze dezelfde heldere camera? Het werd in 1807 gepatenteerd door William Hyde Wollaston. Hoewel een dergelijk apparaat in feite al in 1611 door Johannes Kepler wordt beschreven in zijn werk Dioptrice. Misschien gebruikten ze dan een ander optisch apparaat - een camera obscura? Het is immers al bekend sinds de tijd van Aristoteles en is een donkere kamer waar licht door een klein gaatje binnenvalt en dus in een donkere kamer een projectie wordt verkregen van wat zich voor het gat bevindt, maar dan omgekeerd. Alles zou goed zijn, maar het beeld dat wordt verkregen wanneer het wordt geprojecteerd door een pinhole-camera zonder lens, is zacht gezegd niet van hoge kwaliteit, het is niet duidelijk, het vereist veel fel licht, om nog maar te zwijgen van het formaat van de projectie. Maar kwaliteitslenzen waren tot de 16e eeuw bijna onmogelijk te maken, omdat er op dat moment geen manier was om dergelijk kwaliteitsglas te verkrijgen. Wat te doen, dacht Hockney, tegen die tijd worstelde hij al met het probleem met de natuurkundige Charles Falco.

Er is echter een schilderij van Jan Van Eyck, een Brugse schilder en Vlaamse schilder uit de vroege Renaissance, waarin een aanwijzing is verborgen. Het schilderij heet "Portret van het Arnolfini-paar".

De afbeelding schittert gewoon met een enorme hoeveelheid details, wat best interessant is, omdat het pas in 1434 werd geschilderd. En de spiegel dient als een hint van hoe de auteur erin slaagde om zo'n grote stap voorwaarts te zetten in het realisme van het beeld. En ook de kandelaar is ongelooflijk ingewikkeld en realistisch.

Hockney barstte van nieuwsgierigheid. Hij bemachtigde een kopie van zo'n kroonluchter en probeerde die te tekenen. De kunstenaar werd geconfronteerd met het feit dat zoiets ingewikkelds moeilijk in perspectief te tekenen is. Een ander belangrijk punt was de materialiteit van het beeld van dit metalen object. Bij het weergeven van een stalen object is het erg belangrijk om de highlights zo realistisch mogelijk te positioneren, omdat dit een enorme hoeveelheid realisme geeft. Maar het probleem met deze highlights is dat ze bewegen wanneer de blik van de kijker of kunstenaar beweegt, wat betekent dat het helemaal niet eenvoudig is om ze vast te leggen. En het realistische beeld van metaal en schittering is ook een onderscheidend kenmerk van de Renaissance-schilderijen, daarvoor probeerden de kunstenaars dit niet eens.

Door een nauwkeurig driedimensionaal model van de kroonluchter na te bootsen, zorgde het Hockney-team ervoor dat de kroonluchter in The Portrait of the Arnolfini Couple nauwkeurig in perspectief werd getekend met een enkel verdwijnpunt. Maar het probleem was dat zulke precieze optische instrumenten als een camera obscura met een lens ongeveer een eeuw na het maken van het schilderij niet bestonden.

Het uitvergrote fragment laat zien dat de spiegel in het schilderij "Portret van het Arnolfini-paar" bol is. Er waren dus spiegels integendeel - hol. Bovendien werden in die tijd dergelijke spiegels op deze manier gemaakt - er werd een glazen bol genomen en de bodem was bedekt met zilver, waarna alles behalve de bodem werd afgesneden. De achterkant van de spiegel was niet verduisterd. Dit betekent dat de holle spiegel van Jan Van Eyck dezelfde spiegel zou kunnen zijn als op de foto, alleen vanaf de achterkant. En elke natuurkundige weet wat een spiegel, wanneer gereflecteerd, een beeld projecteert van de gereflecteerde spiegel. Het was hier dat zijn vriend natuurkundige Charles Falco David Hockney hielp met berekeningen en onderzoek.

Het heldere, gefocuste gedeelte van de projectie is ongeveer 30 vierkante centimeter, wat precies de grootte is van de hoofden in veel Renaissance-portretten.

Dit is het formaat van bijvoorbeeld het portret van "Doge Leonardo Loredana" van Giovanni Bellini (1501), een portret van een man van Robert Campen (1430), het eigen portret van Jan Van Eyck "een man met een rode tulband" en nog veel meer vroege Hollandse portretten.

Schilderen was een goedbetaalde baan en natuurlijk werden alle bedrijfsgeheimen strikt vertrouwelijk behandeld. Het was gunstig voor de kunstenaar dat alle niet-ingewijden geloofden dat de geheimen in handen waren van de meester en dat ze niet konden worden gestolen. Het bedrijf was gesloten voor buitenstaanders - de kunstenaars zaten in het gilde en de meest uiteenlopende ambachtslieden zaten erin - van zadelmakers tot spiegels. En in het Sint-Lucasgilde, opgericht in Antwerpen en voor het eerst genoemd in 1382 (toen werden soortgelijke gilden geopend in veel noordelijke steden, en een van de grootste was het gilde in Brugge - de stad waar Van Eyck woonde) had ook meesters, waardoor spiegels.

Dus Hockney herschiep hoe je een complexe kroonluchter kunt tekenen op een schilderij van Van Eyck. Het is helemaal niet verwonderlijk dat de grootte van de door Hockney geprojecteerde kroonluchter exact overeenkomt met de grootte van de kroonluchter in het schilderij "Portret van het Arnolfini-paar". En, natuurlijk, schittering op metaal - op de projectie staan ze stil en veranderen ze niet wanneer de kunstenaar van positie verandert.

Maar het probleem is nog steeds niet volledig opgelost, want vóór het verschijnen van hoogwaardige optica, die nodig is om een pinhole-camera te gebruiken, waren er nog 100 jaar over en de grootte van de projectie verkregen met behulp van een spiegel is erg klein. Hoe schilder je afbeeldingen die groter zijn dan 30 vierkante centimeter? Ze zijn gemaakt als een collage - vanuit verschillende gezichtspunten bleek het een soort sferische visie met veel verdwijnpunten. Hockney realiseerde zich dit, omdat hij zelf met dergelijke foto's bezig was - hij maakte veel fotocollages waarin precies hetzelfde effect wordt bereikt.

Bijna een eeuw later, in de jaren 1500, werd het eindelijk mogelijk om glas goed te verkrijgen en te verwerken - er verschenen grote lenzen. En ze konden eindelijk worden ingevoegd in de camera obscura, waarvan het principe al sinds de oudheid bekend is. De lens camera obscura was een ongelooflijke revolutie in de beeldende kunst, aangezien de projectie nu van elk formaat kon zijn. En nog iets, nu was het beeld niet "groothoek", maar ongeveer het normale aspect - dat wil zeggen, ongeveer hetzelfde als vandaag bij het fotograferen met een lens met een brandpuntsafstand van 35-50 mm.

Het probleem met het gebruik van een pinhole-camera met een lens is echter dat de voorwaartse projectie van de lens gespiegeld is. Dit leidde tot een groot aantal linkshandigen in de schilderkunst in de vroege stadia van het gebruik van optica. Zoals op dit schilderij uit de 17e eeuw uit het Frans Hals museum, waar een paar linkshandigen dansen, een linkshandige oude man hen bedreigt met een vinger en een linkshandige aap onder de jurk van de vrouw tuurt.

Het probleem wordt opgelost door een spiegel te installeren waarin de lens is gericht, waardoor de juiste projectie wordt verkregen. Maar blijkbaar kostte een goede, platte en grote spiegel veel geld, dus niet iedereen had hem.

Focus was een ander probleem. Het is een feit dat sommige delen van de afbeelding op één positie van het canvas onder de projectiestralen onscherp waren, niet duidelijk. In het werk van Jan Vermeer, waar het gebruik van optica duidelijk zichtbaar is, ziet zijn werk er over het algemeen uit als foto's, ook zie je onscherpe plekken. Je kunt zelfs de tekening zien die de lens geeft - de beruchte "bokeh". Zoals bijvoorbeeld hier, in het schilderij "Het Melkmeisje" (1658), zijn de mand, het brood erin en de blauwe vaas onscherp. Maar het menselijk oog kan niet "onscherp" zien.

En in het licht van dit alles is het helemaal niet verwonderlijk dat een goede vriend van Jan Vermeer Anthony Phillips van Leeuwenhoek was, een wetenschapper en microbioloog, evenals een unieke meester die zijn eigen microscopen en lenzen creëerde. De wetenschapper werd postume manager van de kunstenaar. En dit stelt ons in staat om aan te nemen dat Vermeer precies zijn vriend op twee doeken heeft afgebeeld - "Geograaf" en "Astronoom".

Om een deel in focus te zien, moet je de positie van het canvas onder de projectiestralen veranderen. Maar in dit geval verschenen er fouten in verhoudingen. Zoals je hier kunt zien: de enorme schouder van "Anthea" Parmigianino (ongeveer 1537), het kleine hoofd van "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), de enorme voeten van de boer op het schilderij van Georges de La Tour.

Natuurlijk gebruikten alle kunstenaars lenzen anders. Iemand voor schetsen, iemand die uit verschillende onderdelen bestaat - nu was het immers mogelijk om een portret te maken en de rest af te werken met een ander model of met een dummy in het algemeen.

Velazquez heeft ook bijna geen tekeningen. Zijn meesterwerk bleef echter - een portret van paus Innocentius de 10e (1650). Op het papa's gewaad - uiteraard zijde - is er een prachtig lichtspel. Blikov. En om dit alles vanuit één gezichtspunt te schrijven, moest je heel hard je best doen. Maar als je een projectie maakt, loopt al dit moois niet weg - de schittering beweegt niet meer, je kunt schrijven met precies die brede en snelle streken zoals die van Velazquez.

Vervolgens konden veel kunstenaars zich een camera obscura veroorloven, en dat is geen groot geheim meer. Canaletto gebruikte de camera actief om zijn visie op Venetië te creëren en verborg het niet. Deze foto's maken het vanwege hun nauwkeurigheid mogelijk om over Canaletto te spreken als documentairemaker. Dankzij Canaletto zie je niet alleen een mooi plaatje, maar ook de geschiedenis zelf. Je kunt zien wat de eerste Westminster Bridge was in Londen in 1746.

De Britse kunstenaar Sir Joshua Reynolds bezat een camera obscura en vertelde er blijkbaar niemand over, want zijn camera vouwt op en ziet eruit als een boek. Tegenwoordig is het gehuisvest in het London Science Museum.

Ten slotte, aan het begin van de 19e eeuw, vervloekte William Henry Fox Talbot, met behulp van een camera-lucide - degene waarin je met één oog moet kijken en met je handen moet tekenen, en besloot dat zo'n ongemak moest worden weggenomen met eens en voor altijd, en werd een van de uitvinders van chemische fotografie, en later een popularisator die het enorm maakte.

Met de uitvinding van de fotografie verdween het monopolie van het schilderen op het realisme van het beeld, nu is de foto een monopolie geworden. En hier, eindelijk, bevrijdde de schilderkunst zich van de lens, vervolgde het pad waarvan het in de jaren 1400 afsloeg, en Van Gogh werd de voorloper van alle kunst van de 20e eeuw.

De uitvinding van de fotografie is het beste wat de schilderkunst in zijn hele geschiedenis is overkomen. Het was niet langer nodig om uitsluitend echte afbeeldingen te maken, de kunstenaar werd vrij. Het kostte het publiek natuurlijk een eeuw om artiesten bij te praten in hun begrip van visuele muziek en om mensen als Van Gogh niet langer als 'gek' te beschouwen. Tegelijkertijd begonnen kunstenaars foto's actief te gebruiken als "referentiemateriaal". Toen verschenen mensen als Wassily Kandinsky, de Russische avant-garde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Na de schilderkunst werden architectuur, beeldhouwkunst en muziek bevrijd. Toegegeven, de Russische academische schilderschool zit vast in de tijd, en vandaag is het nog steeds een schande in academies en scholen om fotografie te gebruiken om te helpen, en de hoogste prestatie wordt beschouwd als een puur technisch vermogen om zo realistisch mogelijk met blote handen te tekenen.

Dankzij een artikel van journalist Lawrence Weschler, die aanwezig was bij het onderzoek van David Hockney en Falco, komt nog een interessant feit aan het licht: het portret van het echtpaar Arnolfini van Van Eyck is een portret van een Italiaanse koopman in Brugge. De heer Arnolfini is een Florentijn en bovendien is hij een vertegenwoordiger van de Medici-bank (praktisch de eigenaren van Florence tijdens de Renaissance, worden beschouwd als beschermheren van de kunst van die tijd in Italië). En dit zegt wat? Het feit dat hij het geheim van het Sint-Lucasgilde - de spiegel - gemakkelijk mee kon nemen, naar Florence, waar volgens de traditionele geschiedenis de renaissance begon, en kunstenaars uit Brugge (en dus ook andere meesters) beschouwd als ‘primitivisten’.

Er is veel controverse rond de Hockney-Falco-theorie. Maar er zit zeker een kern van waarheid in. Wat betreft kunsthistorici, critici en historici, het is zelfs moeilijk voor te stellen hoeveel wetenschappelijke werken over geschiedenis en kunst eigenlijk complete onzin bleken te zijn, dit verandert ook de hele kunstgeschiedenis, al hun theorieën en teksten.

Het gebruik van optica doet niets af aan de talenten van kunstenaars - techniek is immers een middel om over te brengen wat de kunstenaar wil. En omgekeerd, het feit dat er een echte realiteit in deze schilderijen is, maakt ze alleen maar zwaarder - dit is tenslotte hoe mensen van die tijd, dingen, gebouwen, steden eruit zagen. Dit zijn echte documenten.

De Hockney-Falco-theorie wordt gedetailleerd beschreven door de auteur David Hockney in de BBC David Hockney's documentaire "Secret Knowledge", die kan worden bekeken op YouTube (deel 1 en deel 2 in Engels. lang.):